Alfred Hitchcock

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Alfred Hitchcock était un réalisateur et producteur anglo-américain, connu pour ses films à suspense. Il est célèbre pour sa capacité à garder le rythme et le suspense tout au long d'un film.Premiers joursAlfred Joseph Hitchcock est né à Leytonstone, Londres, le 13 août 1899, de William et Emma Jane Hitchcock. Quand Alfred avait 14 ans, son père est décédé. Alfred a quitté le pensionnat pour étudier à l'École d'ingénierie et de navigation. Après avoir obtenu son diplôme, il est devenu dessinateur et concepteur publicitaire pour une entreprise de câblodistribution.Début de carrière et mariageÀ cette époque, Hitchcock est devenu intrigué par la photographie et a commencé à travailler dans le cinéma à Londres. Il a conçu des titres pour des films muets. En 1925, Hitchcock a eu la chance de réaliser son premier film, Le jardin d'agrément. Ce n'était pas un énorme succès, pas plus que son deuxième film, L'aigle des montagnes.Hitchcock a épousé Alma Reville en 1926. Le couple restera marié jusqu'à sa mort en 1980.Le genre suspense apporte le succèsLe jeune réalisateur a changé son genre pour le suspense. Le résultat initial était The Lodger : une histoire du brouillard londonien (1927), basé sur le premier roman à présenter une solution aux meurtres de Jack-the-Ripper. C'était le premier film à révéler le style "hitchcockien" du suspense, et la première des 37 apparitions d'Hitchcock dans ses propres films. En 1929, Hitchcock commença à travailler sur son 10e film, Chantage. Ce film a également initié l'habitude d'Hitchcock d'utiliser des monuments célèbres comme toiles de fond d'une histoire. Le point culminant de Chantage a eu lieu sur le dôme du British Museum.Hitchcock a commencé à travailler pour Gaumont-British Picture Corporation en 1933. Son premier film pour la société, L'homme qui en savait trop (1934), a été un succès. En 1935, Les 39 étapes était considéré comme le meilleur film de ses débuts. Selznick l'a incité à aller à Hollywood.En route pour HollywoodPour commencer sa carrière à Hollywood, Hitchcock a réalisé son premier film américain, Rébecca, en 1940. Il a également fait Correspondant à l'étranger la même année, qui a également reçu une nomination pour le meilleur film. En 1946, Alfred a non seulement réalisé, mais produit le film Célèbre. Célèbre reste l'un de ses films les plus acclamés. En 1948, le premier film couleur d'Hitchcock, Corde, a été libéré. Ce film mettait en vedette James Stewart; ce serait le premier des quatre films d'Alfred Hitchcock dans lesquels il a joué. Les années 1954 et 1955 se sont avérées être une bonne course pour Hitchcock, avec la sortie de trois films populaires, tous mettant en vedette Grace Kelly. La première, Composez M pour meurtre, avec Ray Milland, a présenté une cinématographie 3D. Fenêtre arrière a également joué James Stewart, et Attraper un voleur avec Grace Kelly et Cary Grant.Henry Fonda a joué dans le Mauvais homme (1956), basé sur l'histoire vraie d'un innocent pris pour un criminel. Lorsque vertige est sorti en 1958, ce fut un échec commercial, mais est depuis devenu connu comme un chef-d'œuvre d'Hitchcock. Hitchcock a suivi ce film avec trois films très différents, qui ont tous été d'énormes succès. Tous les trois sont également reconnus parmi ses meilleurs films : du Nord au nord-ouest (1959), psychopathe (1960), et Les oiseaux en 1963. Le crissement des cordes sur la scène du meurtre en psychopathe repoussé les limites du temps et reste glaçant à ce jour. Les oiseaux a utilisé une bande sonore produite électroniquement. La carrière d'Hitchcock s'est terminée après ces films. Parcelle Familiale en 1976 était son dernier film.La fin, avec les honneursDans les honneurs du Nouvel An 1980, Alfred Hitchcock a été créé chevalier commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique par la reine Elizabeth II. Il était resté sujet britannique lorsqu'il avait acquis la citoyenneté américaine en 1956, il avait donc le droit d'être connu sous le nom de Sir Alfred Hitchcock et d'utiliser les lettres postnominales KBE.Le 29 avril 1980, Alfred Hitchcock est décédé d'une insuffisance rénale dans son Bel Air, Los Angeles, domicile, à l'âge de 80 ans. Il laisse dans le deuil son épouse Alma Reville et leur fille, Patricia Hitchcock O'Connell. Son corps a été incinéré; il n'y a pas eu de funérailles publiques ni de service commémoratif.


Biographie

Alfred Hitchcock est né à Leytonstone, en Angleterre, le 13 août 1899. Il était le plus jeune des trois enfants de William et Emma Jane Hitchcock.

Après avoir fréquenté une école technique à 15 ans, Hitchcock a passé les premières années de sa carrière en tant que dessinateur, concepteur publicitaire et écrivain. Un intérêt pour la photographie l'a amené à travailler dans l'industrie cinématographique de Londres, d'abord en tant que concepteur de cartes de titre pour des films muets et, cinq ans plus tard, en tant que réalisateur.

En 1926, Hitchcock épousa sa directrice adjointe, Alma Reville, et en 1928, ils eurent une fille, Patricia.

Hitchcock a rapidement acquis une notoriété en tant que réalisateur qui a livré du suspense, des fins de torsion et des sujets sombres. Sa propre personnalité et son humour de potence étaient ancrés dans la culture populaire à travers des interviews, des bandes-annonces et des apparitions dans ses propres films. Il était populaire auprès du public au pays et à l'étranger, et en 1939, la famille Hitchcock s'installa à Hollywood. Au cours des trois décennies qui ont suivi, il a cimenté son héritage en dirigeant et en produisant ses œuvres les plus réussies et les plus durables. Son anthologie télévisée, Alfred Hitchcock Presents, a été diffusée de 1955 à 1965 et a fait de lui un nom bien connu.

Au cours de sa carrière, il a créé plus de cinquante longs métrages dans une carrière qui a vu non seulement le développement du style de réalisateur distinctif d'Hitchcock, mais aussi des innovations marquantes dans le cinéma. En 1929, Blackmail est son premier long métrage sonore et en 1948, son premier film en couleur est Rope. Hitchcock lui-même a été crédité d'avoir mis au point de nombreuses techniques de caméra et de montage pour les pairs et les aspirants réalisateurs à imiter.

Hitchcock a reçu de nombreuses distinctions professionnelles, dont deux Golden Globes, huit Laurel Awards et cinq récompenses pour l'ensemble de sa carrière. Il a été cinq fois nominé aux Oscars du meilleur réalisateur et en 1940, son film Rebecca a remporté l'Oscar du meilleur film. En 1980, il a reçu le titre de chevalier de la reine Elizabeth II.

Mari, père, réalisateur et maître du suspense, Sir Alfred Hitchcock est décédé le 29 avril 1980.


Grandir avec la peur de l'autorité

Alfred Joseph Hitchcock est né le 13 août 1899 à Leytonstone dans l'East End de Londres. Ses parents étaient Emma Jane Hitchcock (née Whelan), qui était connue pour être têtue, et William Hitchcock, un épicier, qui était connu pour être sévère. Alfred avait deux frères et sœurs aînés : un frère, William (né en 1890) et une sœur, Eileen (née en 1892).

Quand Hitchcock n'avait que cinq ans, son père catholique strict lui a fait peur. Tentant de donner une leçon précieuse à Hitchcock, le père d'Hitchcock l'envoya au poste de police local avec une note. Une fois que le policier de service a lu la note, le policier a enfermé le jeune Hitchcock dans une cellule pendant plusieurs minutes. L'effet a été dévastateur. Bien que son père essayait de lui donner une leçon sur ce qui arrivait aux gens qui faisaient de mauvaises choses, l'expérience laissa Hitchcock profondément ébranlé. En conséquence, Hitchcock avait toujours peur de la police.

Un peu solitaire, Hitchcock aimait dessiner et inventer des jeux sur des cartes à ses heures perdues. Il a fréquenté le pensionnat du Collège Saint-Ignace où il est resté à l'écart des ennuis, craignant les jésuites stricts et leurs coups de bâton publics de garçons qui se conduisaient mal. Hitchcock a appris le dessin à la London County Council School of Engineering and Navigation à Poplar de 1913 à 1915.


Alfred Hitchcock

Le réalisateur et producteur Alfred Hitchcock a popularisé à la fois le terme "MacGuffin" et la technique, avec ses films Numéro dix-sept (1932) et Les 39 étapes (1935) étant les premiers exemples du concept.

Selon certaines sources, on pense que l'écrivain Angus MacPhail a inventé le terme à l'origine.

Hitchcock a expliqué le terme « MacGuffin » dans une conférence de 1939 à l'Université Columbia :

[Nous] avons un nom dans le studio, et nous l'appelons le "MacGuffin". C'est l'élément mécanique qui revient généralement dans toute histoire. Dans les histoires d'escrocs, c'est presque toujours le collier et dans les histoires d'espionnage, c'est le plus souvent les papiers.

En 1944, TEMPS a rapporté Hitchcock en disant: "Le McGuffin est la chose que le héros poursuit, la chose dont parle l'image. c'est très nécessaire" avant de continuer à expliquer: [1]

En aucun cas original avec Hitchcock, le McGuffin est une vieille blague britannique sur un homme transportant des colis dans un train rencontrant un autre homme, qui s'enquiert :
« Qu'y a-t-il dans le colis ?
"Un McGuffin."
« Qu'est-ce qu'un McGuffin ?
"Un McGuffin est un petit animal avec une longue queue jaune tachetée, utilisé pour chasser les tigres à New York."
"Mais il n'y a pas de tigres à New York."
"Ah, mais ce n'est pas un vrai McGuffin."

Le mois suivant, TEMPS a publié une lettre de Jack Moffitt de Warner Bros. : [2]

Le réalisateur Alfred Hitchcock est un arriviste britannique sans aucune connaissance de la langue hollywoodienne. La chose que le héros poursuit n'est pas un McGuffin, mais un wenie et ce depuis l'époque de Mack Sennett. Les perles volées ont été placées dans un wenie. Le wenie a été volé par un chien. Et le chien a été poursuivi par tout le monde, y compris les Keystone Cops. Ils le poursuivent toujours.

Interviewé en 1966 par François Truffaut, Alfred Hitchcock a illustré le terme « MacGuffin » avec cette histoire :

Ce pourrait être un nom écossais, tiré d'une histoire à propos de deux hommes dans un train. Un homme dit : « C'est quoi ce paquet là-haut dans le porte-bagages ? Et l'autre répond : 'Oh, c'est un McGuffin.' Le premier demande « Qu'est-ce qu'un McGuffin ? » 'Eh bien' dit l'autre homme, 'C'est un appareil pour piéger les lions dans les Highlands écossais.' Le premier homme dit : « Mais il n'y a pas de lions dans les Highlands écossais », et l'autre répond « Eh bien, ce n'est pas McGuffin ! » Alors vous voyez, un McGuffin n'est rien du tout.


Hitchcock présente : Une brève histoire des émissions d'Hitchcock étranges et sauvages qui dominaient autrefois la télévision

En 1960, Alfred Hitchcock était partout. L'un des véritables chefs-d'œuvre du réalisateur, "Psycho", est sorti cette année-là, dans la foulée de "North by Northwest" l'année précédente, qui avait suivi "Vertigo" et "The Wrong Man" et "The Man Who Knew Too Much". " "Les Oiseaux" se trouvaient devant lui.

Le réalisateur de 60 ans, qui avait toujours été une figure familière pour certains à cause de ses camées sournoises dans ses films, était devenu un nom connu à travers ses films et son émission télévisée, "Alfred Hitchcock Presents". La série d'anthologies d'une demi-heure a commencé en 1955 et a duré 10 ans, y compris les années où elle a été étendue et rebaptisée « L'heure Alfred Hitchcock ».

Ajoutez à cela "Alfred Hitchcock's Mystery Magazine", qui avait commencé en 1956 par un accord de licence du nom du réalisateur, ainsi qu'une série de recueils de thrillers et d'histoires à suspense, et la renommée d'Hitchcock en tant que réalisateur était sans comparaison jusqu'à ce que Steven Spielberg devienne un nom familier dans les années 1970.

Les détails de la vie d'Hitchcock, parfois sordides et horribles, en particulier en ce qui concerne les rapports de son comportement déshumanisant envers les femmes, y compris certaines qui ont joué dans ses films, sont devenus le fourrage de nombreuses biographies.

Aujourd'hui, cependant, un regard sur les émissions de télévision qui portaient son nom et qu'il a animées avec ce qui ressemble à un délectation macabre.

Pouvez-vous nommer une célébrité ces jours-ci qui est facilement identifiable à partir d'une caricature de son profil ? Le profil d'Hitchcock - dessiné en neuf traits par le réalisateur lui-même, selon l'histoire - et l'ombre faisaient partie du générique d'ouverture de la majeure partie de la série.

C'est une marque de l'ordre du symbole du glyphe de Prince.

Lorsque « Alfred Hitchcock Presents » a fait sa première sur CBS en 1955, la télévision n'était même pas encore à l'adolescence. Alors que 47 millions de foyers disposaient d'un téléviseur en 1955, ce nombre a commencé à augmenter au cours des années suivantes, atteignant près de 53 millions en 1960 et plus de 200 millions dans les années 1990.

Dans les décennies qui ont précédé les chaînes câblées et payantes comme HBO, la plupart des téléspectateurs n'écoutaient que trois réseaux, CBS inclus, et une ou deux stations locales. Le simple manque de choix a aidé les téléspectateurs à se tourner vers des émissions comme celles produites par Hitchcock. De nombreux téléspectateurs se sont connectés chaque semaine et ont entendu sa marque de fabrique «Bonsoir» et ses inspirations entre les phrases.

L'apparition de la silhouette d'Hitchcock, sur la "Marche funèbre d'une marionnette" de Charles Gounod et les introductions pleines d'esprit et souvent horribles du réalisateur taquinaient ce qui allait arriver dans chaque épisode : une pièce de moralité - une pièce d'immoralité, vraiment - un peu comme ce comique les lecteurs de livres ont vu d'EC Comics avant d'être chassés du marché. Contrairement à EC, cependant, l'émission Hitchcock n'était pas destinée aux jeunes.

La série a duré une demi-heure pendant la majeure partie de sa diffusion, offrant des histoires intelligentes et rapides avec de superbes castings. Hitchcock n'a réalisé qu'une douzaine d'épisodes et demi de la série, mais son image et sa prestation amusante en haut et en bas de chacun des 361 épisodes, en comptant les deux séries, ont renforcé son statut de culte.

Malgré Rod Serling et sa série « Twilight Zone », un contemporain de la série Hitchcock, ou les films de M. Night Shyamalan et leurs rebondissements à venir, la série d'Hitchcock construit et renforce continuellement la personnalité publique du réalisateur et de l'animateur.

Les meilleurs scénaristes et réalisateurs et le jeune Robert Redford

En parlant de "The Twilight Zone", il y a un épisode particulièrement horrible de 1964 appelé "The Jar", dans lequel un rustre country joué par Pat Buttram devient obsédé par une chose non identifiable mais… ressemblant à une tête dans un bocal dans un spectacle de carnaval. Buttram achète le pot et le rapporte dans sa petite ville, où il devient le toast du petit bourg. Ensuite, tout va horriblement mal.

Mais attendez… "The Jar" n'est pas un épisode de "Twilight Zone". Il s'agit d'un épisode de « L'heure Alfred Hitchcock » de 1964, et c'est une histoire beaucoup plus horrible que la plupart des écrivains d'Hitchcock. Et "The Jar" est, légendairement, une heure de télévision que la plupart des gens croient à tort être un épisode de "The Twilight Zone".

Mais alors que les émissions d'Hitchcock étaient généralement plus sobres que "The Twilight Zone", la série avait plus que sa part d'épisodes, d'écrivains et de réalisateurs mémorables.

Sydney Pollack, qui a réalisé des films par excellence comme "Tootsie", "Trois jours du condor" et "Absence of Malice", a réalisé deux épisodes d'Hitchcock. L'un d'eux, "Diagnostic: Danger", a été diffusé en 1963 mais semble effrayant à ce moment-là, alors que les enquêteurs de la santé publique de Los Angeles tentent de suivre et d'arrêter la propagation de l'anthrax dans la ville.

"Off Season", un épisode de 1965, ressemble à une réunion "Psycho". Il est écrit par Robert Bloch, l'auteur qui a créé Norman Bates et sa mère dans un roman de 1959. La star est John Gavin, qui a joué dans "Psycho". Il y a même un motel au bord de la route et un commis de motel un peu effrayant. Mais au lieu d'Hitchcock derrière la caméra, c'était William Friedkin, qui, quelques années plus tard, réalisera ce qui pourrait être le meilleur film d'horreur de tous les temps, "L'Exorciste".

Certains épisodes de la série Hitchcock sont comme de petits mini-chefs-d'œuvre et se comparent favorablement à l'étalon-or, "The Twilight Zone". Certains semblent un peu précipités ou incluent une torsion pour l'amour de la torsion.

Mais où d'autre pouvez-vous trouver Robert Redford et Gig Young en tant que frères dans une partie de poker à enjeux élevés contre des gangsters aux doigts de gâchette qui démangent ? Eh bien, dans "A Piece of the Action", le premier épisode d'une heure, de 1962.

Tropes et un redémarrage, bien sûr

Je n'essaierais pas d'avancer l'argument selon lequel Hitchcock et toutes ces entreprises avaient le genre de synergie que Disney fait aujourd'hui, en faisant des films qui passent au service de streaming Disney +, qui à son tour génère des abonnements.

Mais l'opération commerciale qui tournait autour d'Hitchcock et de tous ces projets était remarquablement serrée. "Psycho" a été déposé chez Revue Studios, société de production de la série télévisée d'Hitchcock, en utilisant l'équipe de la série télévisée.

Selon un article de 1964 du Palm Beach Post, la série a d'abord obtenu les droits de filmer toutes les histoires du "Alfred Hitchcock Mystery Magazine". (Le magazine a été fondé à New York en 1956, mais ses bureaux ont déménagé en Floride en 1959.) Henry Slesar, un célèbre écrivain de la série Hitchcock, a vu ses premières histoires publiées dans le magazine, qui est toujours aussi fort.

Soyez avisé: certains épisodes de la série télévisée sont très d'époque, avec des blagues jetables qui n'étaient même pas politiquement correctes à l'époque, et des intrigues qui reposaient un peu trop sur le trope de la femme en danger. L'actrice Phyllis Thaxter, qui était la première Lois Lane dans la série télévisée "Les aventures de Superman", est apparue neuf fois dans la série Hitchcock. Il semble que dans chaque épisode dans lequel je l'ai vue, elle a joué une femme émotionnellement endommagée, ce qui était probablement plus proche du stéréotype télévisé des femmes à l'époque que l'audacieuse fonceuse Lois.

L'association d'Hitchcock avec la télévision et l'émission portant son nom s'est poursuivie après sa mort en 1980. Pendant quatre saisons et 76 épisodes à partir de 1985, NBC et USA ont diffusé une version refaite de "Alfred Hitchcock Presents" qui comprenait certaines des introductions du réalisateur de l'original séries. Cela faisait partie d'une tendance télévisée des années 1980 et au-delà des séries d'anthologies et des reprises de séries comme "The Twilight Zone".

Mais le redémarrage d'Hitchcock n'est plus qu'une réflexion après coup, tandis que la série originale - ou deux séries - continue d'être diffusée sur des chaînes de télévision par câble comme MeTV, qui "dépouille" l'émission dans une fente de fin de soirée la plupart des soirs de la semaine.

Le maître du macabre se sentirait comme chez lui aux alentours de minuit.


La scène de douche de Psycho : comment Hitchcock a fait monter la terreur et a trompé les censeurs

Alfred Hitchcock, le légendaire &# x201Cmaître du suspense,&# x201D appelé psychopathe une farce.

En fait, c'était révolutionnaire. Le film a choqué le public avec sa tristement célèbre scène de douche de 45 secondes, une séquence à couper le souffle après laquelle rien ne serait plus jamais pareil.

Créé le 16 juin 1960, psychopathe a brisé les tabous et les conventions cinématographiques. Hitchcock sortait de du Nord au nord-ouest, un thriller romantique avec les idoles de renom Cary Grant et Eva Marie Saint, tourné au format grand écran VistaVision et marqué par ses séquences d'action étonnantes. Son suivi était un film d'horreur en noir et blanc dans lequel il tue le personnage principal apparent&# x2014Janet Leigh&# x2019s Marion Crane&# x2014pas longtemps dans le film. Pire encore, elle est poignardée à mort en prenant une douche dans l'effrayant Bates Motel, géré par Norman Bates, interprété par Anthony Perkins, dont la performance en tant que maniaque du travestissement, obsédé par la mère et à personnalité divisée ferait de l'ombre à chaque série sur grand écran. tueur à venir.

La séquence est devenue une ligne de démarcation dans l'histoire du cinéma. « Il y avait des films avant la scène de la douche et des films après la scène de la douche », explique le cinéaste Alexandre O. Philippe, dont le documentaire de 2017 78/52: Scène de douche d'Hitchcock explore psychopathe et sa scène signature en profondeur. (Son titre fait allusion aux 78 réglages de caméra et aux 52 montages effectués pour la séquence).“ Cela a vraiment changé la donne.”

Et pas seulement parce que le film vantait la première scène d'Hollywood avec des toilettes.

Alfred Hitchcock avec Janet Leigh sur le tournage de Psycho. (Crédit : Sunset Boulevard/Corbis/Getty Images)

psychopathe est devenu Hitchcock&# x2019s film le plus réussi à l'époque&# x2014son box-office prendre, 32 millions de dollars, a été le deuxième meilleur de 1960, après Spartacus. Mais il a été fait malgré beaucoup de résistance. Paramount, le studio qui avait produit plusieurs des succès du réalisateur&# x2019 des années 50, a refusé de le financer. Hitchcock a donc financé lui-même son budget, contre l'avis de ses propres producteurs. Le film a également secoué les censeurs qui ont exécuté Hollywood&# x2019s relâchement Motion Picture Production Code, également connu sous le nom de code Hays, qui était en vigueur de 1934 à 1968.

Les censeurs ont rechigné devant ce qu'ils percevaient comme de la nudité dans la séquence de la douche. Leigh portait des patchs en moleskine pour cacher les zones sensibles, tout comme son corps double, modèle pin-up et futur Playboy la star de couverture Marli Renfro, qui a pris le relais pour des moments plus exposés. Mais il y avait aussi la scène d'ouverture, dans laquelle Leigh&# x2019s Marion ne porte qu'un soutien-gorge et un slip, partageant une chambre d'hôtel avec son amant divorcé. Les censeurs voulaient que cela change aussi, mais le réalisateur avisé les a trompés. Il a renvoyé une copie de la scène de la douche inchangée, ce qui a dérouté les censeurs pour savoir s'ils avaient vu quelque chose ou non. Il les a également invités sur le plateau où il allait reprendre la scène d'ouverture incriminée, mais aucun des censeurs ne s'est présenté.

Une grande partie de la scène, qui a été scénarisée en consultation avec le légendaire designer Saul Bass (et a pris une semaine pour filmer), a été tournée en très gros plans, avec des montages rapides, de sorte que la nudité et la violence soient implicites&# x2014sentir&# x2014mais jamais effectivement vu. L'ensemble de douche a été construit de manière à ce que n'importe lequel de ses murs puisse être retiré, permettant à la caméra de se rapprocher sous tous les angles. Et Hitchcock a utilisé un tir inversé en accéléré pour donner l'impression que la lame a réellement percé l'abdomen de Marion.

Les cordes hurlantes du compositeur Bernard Herrmann&# x2019s score accroissent la tension.(C'était une nouvelle utilisation de violons, qui avaient généralement été utilisés dans les bandes sonores de films pour renforcer un sentiment de romance ou de pathétique.) Hitchcock leur a d'abord résisté, l'intention de n'utilisez aucune bande son pour la scène. Pour rendre l'expérience encore plus palpable, le son de la chair de Marion&# x2019s cédant au couteau a été créé en poignardant un melon casaba. Hitchcock a demandé à son équipe d'auditionner plusieurs variétés de melons jusqu'à ce qu'ils trouvent la bonne.

Le public a eu six décennies pour s'adapter à une telle frénésie visuelle, mais en 1960, la même année où des films traditionnels sains comme Famille suisse Robinson et Veuillez ne pas manger les marguerites a également dominé le box-office, le regarder aurait pu provoquer la panique.

Anthony Perkins sur le tournage de Psycho,&# xA0réalisé par Alfred Hitchcock. (Crédit : Sunset Boulevard/Corbis/Getty Images)

« C'était une époque où vous ne pouviez évidemment pas [appuyer] sur une pause et revenir en arrière », dit Philippe, « et le regarder image par image. Il leur disait [aux censeurs] la vérité. Vous avez imaginé des choses que vous n'avez pas vraiment vues. Vous ne voyez pas la violence. Vous ne voyez pas la nudité. Vous ne voyez pas de sang, c'est évidemment du sirop de chocolat. Quant à la façon dont le réalisateur a finalement réussi à faire passer la scène devant les censeurs, Philippe ose cette théorie : « . Il les a charmés dedans. Je n'ai pas de meilleure explication. C'est une sorte de tour de magie.

Tous les grands cinéastes ne savaient pas comment réussir un tel tour. Michael Powell, le réalisateur anglais vénéré dont les classiques incluent Les chaussures rouges, a fait échouer sa carrière avec Voyeur, un thriller de 1960 sur un tueur en série voyeuriste, qui a été créé quelques mois avant le film d'Hitchcock&# x2019.

Psycho a eu une influence omniprésente sur la culture populaire. Débutant à l'aube des turbulentes années 1960, il a contribué à inaugurer un changement culturel définitif par rapport à l'ère Eisenhower. Sa suggestion, notée par le critique de cinéma Owen Gleiberman, que les monstres de cinéma n'étaient plus des Godzillas cracheurs de feu ou des extraterrestres, mais qu'ils vivaient dans la tête d'un homme, serait bientôt écrit en gros dans la terreur réelle engendrée. par des meurtriers de masse comme Charles Manson et Charles Whitman.

Le film a annoncé que &# x201Cmurder allait maintenant être une forme acceptable de divertissement,&# x201D observe Bret Easton Ellis, auteur du roman tueur en série américain psychopathe, dans 78/52. “ Il y avait de la violence dans le cinéma américain mais rien de tel psychopathe—rien d'intime, rien de conçu, rien avec ce genre d'impitoyable.”

Son intensité graphique et élégante a contribué à inspirer les thrillers homicides de l'italien giallo le mouvement et les films slasher américains, avec des cinéastes astucieux comme Brian De Palma et John Carpenter créant leurs propres shockers classiques en dette envers Hitchcock&# x2019s exemple. Il y a eu des suites et des remakes (Gus Van Sant&# x2019s 1998 psychopathe) et des émissions de télévision (�tes Motel”), des ballades country (la chanson de 1968 “Psycho”) et des tubes new-wave (Talking Heads’ “Psycho Killer,” avec le chanteur David Byrne comme un houblonné -up version de Norman Bates). Des références au film apparaissent partout, de &# x201CSaturday Night Live&# x201D à &# x201CLe les Simpson.&# x201D De même la musique menaçante de Herrmann&# x2019, qui a été enregistrée par le Los Angeles Philharmonic et imitée par John Williams pour Mâchoires.


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Une jeune femme inexpérimentée rencontre le veuf aristocratique Maxim de Winter sur la Côte d'Azur et devient bientôt la deuxième Mme de Winter.

Maxim ramène sa nouvelle épouse à Manderley, son grand manoir au bord de la mer dans le sud-ouest de l'Angleterre, dominé par sa gouvernante Mme Danvers, une personne frileuse qui avait été une proche confidente de la première Mme De Winter - Rebecca - avec qui elle est clairement toujours obsédée. Elle a même conservé inchangée la grande chambre de Rebecca et continue d'afficher divers objets qui portent son monogramme.

Finalement, ses rappels constants du glamour et de la sophistication de Rebecca convainquent la nouvelle Mme de Winter que Maxim est toujours amoureux de sa première femme, ce qui pourrait expliquer ses accès de colère irrationnels. Elle essaie de faire plaisir à son mari en organisant une fête costumée comme lui et Rebecca le faisaient. Danvers lui conseille de copier la robe que l'un des ancêtres de Maxim porte dans un portrait. Néanmoins, lorsqu'elle apparaît en costume, Maxim est consterné car Rebecca avait porté une robe identique lors de son dernier bal, juste avant sa mort.

Mme de Winter confronte Danvers à ce sujet, mais Danvers lui dit qu'elle ne pourra jamais prendre la place de Rebecca et la persuade presque de sauter à sa mort depuis la fenêtre du deuxième étage dans la chambre de Rebecca. À ce moment, cependant, l'alarme est donnée car un navire s'est échoué à cause du brouillard et lors du sauvetage de son équipage, un bateau coulé a été découvert avec le corps de Rebecca à l'intérieur.

Maxim avoue maintenant à sa nouvelle épouse que son premier mariage avait été une imposture depuis le début lorsque Rebecca avait déclaré qu'elle n'avait pas l'intention de respecter ses vœux mais prétendrait être l'épouse et l'hôtesse parfaites pour le bien des apparences. Quand elle a affirmé qu'elle était enceinte de son cousin et amant, Jack Favell, elle a raillé Maxim que la succession pourrait passer à quelqu'un d'autre que la lignée de Maxim. Au cours d'une violente dispute, elle est tombée, s'est cognée la tête et est décédée. To conceal the truth, Maxim took the body out in a boat, which he then scuttled and identified another body as Rebecca's.

The crisis causes the second Mrs. de Winter to shed her naïve ways as they both plan how to prove Maxim's innocence. When the police claim the possibility of suicide, Favell attempts to blackmail Maxim by threatening to reveal that she had never been suicidal. When Maxim goes to the police, they suspect him of murder. However, further investigation reveals that she was not pregnant but terminally ill due to cancer, so the suicide verdict stands. Maxim realizes that Rebecca had been trying to goad him into killing her via indirect suicide so that Maxim would be ruined.

A free man, Maxim returns home to see Manderley on fire, set ablaze by the deranged Mrs. Danvers. All escape except Danvers, who dies when the ceiling collapses on her.

    as the second Mrs. de Winter as George Fortescue Maximilian "Maxim" de Winter, owner of Manderley as Mrs. Danvers, housekeeper of Manderley as Jack Favell, Rebecca's first cousin and lover as Frank Crawley, Maxim's estate manager of Manderley and friend as Beatrice Lacy, Maxim's sister as Colonel Julyan as Major Giles Lacy, Beatrice's husband as Mrs. Edythe Van Hopper, employer of the second Mrs. de Winter as Frith, oldest butler of Manderley as Coroner at trial as Dr. Baker, Rebecca's doctor as Ben, the beach hermit at Manderley as Mr. Tabbs, boat builder as Chalcroft the innkeeper
  • Philip Winter as Robert, a servant at Manderley

Hitchcock's cameo appearance, a signature feature of his films, takes place near the end he is seen walking, back turned to the audience, outside a phone box just after Jack Favell completes a call.

At Selznick's insistence, the film faithfully adapts the plot of du Maurier's novel Rébecca. [2] However, at least one plot detail was altered to comply with the Hollywood Production Code, which said that the murder of a spouse had to be punished. [2] In the novel, Maxim shoots Rebecca, while in the film, he only thinks of killing her as she taunted him into believing that she was pregnant with another man's child, and her subsequent death is accidental. However, Rebecca was not pregnant but had incurable cancer and had a motive to commit suicide, that of punishing Maxim from beyond the grave. Therefore, her death is declared a suicide, not murder.

Hitchcock later said that Selznick wanted the smoke from the burning Manderley to spell out a huge "R", which Hitchcock thought lacked subtlety. While Selznick was preoccupied by Emporté par le vent (1939), Hitchcock was able to replace the smoky "R" with the burning of a monogrammed négligée case lying atop a bed pillow. Hitchcock edited the film "in camera" (shooting only what he wanted to see in the final film) to restrict the producer's power to re-edit the picture. [3] But Selznick relished the post-production process he personally edited the footage, laid in Franz Waxman's score, and supervised retakes and extensive re-recording of the dialogue of Sanders, Bates and Fontaine. Rewrites and reshooting were called for after a rough cut was previewed on December 26, 1939. [4]

Although Selznick insisted that the film be faithful to the novel, Hitchcock did make some other changes, though not as many as he had made in a previously rejected screenplay, in which he altered virtually the entire story. In the novel, Mrs. Danvers is something of a jealous mother figure, and her past is mentioned in the book. In the film, Mrs. Danvers is a much younger character (Judith Anderson would have been about 42 at the time of shooting), and her past is not revealed at all. The only thing known about her in the film is that she came to Manderley when Rebecca was a bride.

The Breen Office, Hollywood's censorship board, specifically prohibited any outright hint of a lesbian infatuation or relationship between Mrs. Danvers and Rebecca, [5] : 70 though the film clearly does dwell on Danvers' obsessive memories of her late mistress.

Le journaliste hollywoodien reported in 1944 that Edwina Levin MacDonald sued Selznick, Daphne du Maurier, United Artists and Doubleday for plagiarism. MacDonald claimed that the film Rébecca was stolen from her novel Blind Windows, and sought an undisclosed amount of accounting and damages. [6] The complaint was dismissed on January 14, 1948 [7] and the judgment can be read online. [8]

Production credits Edit

The production credits on the film were as follows:

  • Director - Alfred Hitchcock
  • Producer - David O. Selznick
  • Screenplay - Robert E. Sherwood and Joan Harrison
  • Cinematography - George Barnes (photography)
  • Art direction - Lyle R. Wheeler (art direction), Joseph B. Platt (interiors designed), Howard Bristol (interior decoration)
  • Music - Franz Waxman (music), Lou Forbes (music associate)
  • Special effects - Jack Cosgrove
  • Film editor - Hal C. Kern (supervising film editor), James E. Newcom (associated film editor)
  • Scenario assistant - Barbara Keon
  • Sound - Jack Noyes (recorder)
  • Assistant director - Edmond Bernoudy

Frank S. Nugent of Le New York Times called it "an altogether brilliant film, haunting, suspenseful, handsome and handsomely played." [9] Variété called it "an artistic success" but warned it was "too tragic and deeply psychological to hit the fancy of wide audience appeal." [dix] Film Daily wrote: "Here is a picture that has the mark of quality in every department - production, direction, acting, writing and photography - and should have special appeal to femme fans. It creates a new star in Joan Fontaine, who does fine work in a difficult role, while Laurence Olivier is splendid." [11] Harrison's Reports declared: "A powerful psychological drama for adults. David O. Selznick has given it a superb production, and Alfred Hitchcock has again displayed his directorial skill in building up situations that thrill and hold the spectator in tense suspense." [12] John Mosher of Le new yorker wrote that Hitchcock "labored hard to capture every tragic or ominous nuance, and presents a romance which is, I think, even more stirring than the novel." [13]

The film currently holds a 100% approval rating on Rotten Tomatoes based on 61 reviews, with a weighted average of 8.86/10. The site's consensus describes it as "a masterpiece of haunting atmosphere, Gothic thrills, and gripping suspense". [14] On Metacritic it has a score of 86 out of 100, based on reviews from 16 critics, indicating "universal acclaim". [15] Rébecca won the Film Daily year-end poll of 546 critics nationwide naming the best films of 1940. [16]

Rébecca was the opening film at the 1st Berlin International Film Festival in 1951. [17] In 2018, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being "culturally, historically, or aesthetically significant." [18] A restored nitrate print of Rébecca was shown at the Grauman's Egyptian Theatre in Hollywood in 2019. The screening was introduced by Christopher Nolan. [19]

Billetterie Modifier

The film earned $3 million in US rentals [20] and $1 million in Britain on its initial release. It was re-released in Britain in 1945 and made $460,000. [21]

Selon Kinematograph Weekly it was the most popular film of 1940 in Britain. [22]

Rébecca won two Academy Awards and was nominated for nine more: [23] It is the only film since 1936 (when awards for actors in supporting roles were first introduced) that, despite winning Best Picture, received no Academy Award for acting, directing or writing.

Récompenses
Award Category Sujet Résultat
Oscars Outstanding Production David O. Selznick (for Selznick International Pictures) Won
Best Director Alfred Hitchcock Nominated
Meilleur acteur Laurence Olivier Nominated
Best Actress Joan Fontaine Nominated
Best Supporting Actress Judith Anderson Nominated
Best Screenplay Robert E. Sherwood and Joan Harrison Nominated
Best Art Direction – Black and White Lyle R. Wheeler Nominated
Best Cinematography – Black and White George Barnes [24] Won
Best Film Editing Hal C. Kern Nominated
Best Original Score Franz Waxman Nominated
Best Special Effects Jack Cosgrove and Arthur Johns Nominated

Rébecca was twice honored by the AFI in their AFI 100 Years. series


Goes Hollywood

In 1939 Hitchcock left England with his wife and daughter to settle in Hollywood, California. For the most part his American films of the 1940s were expensively produced and entertaining. These included Rébecca (1940), based on a best-selling suspense novel Suspicion (1941), about a woman who believes her husband is a murderer Lifeboat (1944), a study of survival on the open seas and Spellbound (1945), a murder mystery. Less ambitious but more accomplished was Célèbre (1946). Hitchcock's first ten years in Hollywood ended with two interesting failures: The Paradine Case (1947) et Rope (1948).

Beginning with the unusual Des étrangers dans un train (1951), Hitchcock directed a series of films that placed him among the great artists of modern film. His most important films during that time were I Confess (1953), Rear Window (1954), To Catch a Thief (1955) , The Trouble with Harry (1956), L'homme qui en savait trop (1956), vertige (1958), and North by Northwest (1959). Many of Hitchcock's films deal with the theme of an ordinary person caught up in situations beyond his or her control. Hitchcock himself also made a brief appearance (or ⋊meo") in one scene in each of his films.


8. Homefront

Hitchcock was too young to enlist in the First World War until 1917. At that point, he was recommended to be put to work at home rather than go overseas and fight on the front. As a result, Hitchcock joined the Royal Engineers as a cadet and focused on drills, briefings, and outdoor exercises until the War’s conclusion.

Wikimedia Commons

Début de la vie

Alfred Joseph Hitchcock was born in London, England, on August 13, 1899, and was raised by strict, Catholic parents. He described his childhood as lonely and sheltered, partly due to his obesity. He once said that he was sent by his father to the local police station with a note asking the officer to lock him away for 10 minutes as punishment for behaving badly. He also remarked that his mother would force him to stand at the foot of her bed for several hours as punishment (a scene alluded to in his film Psycho). This idea of being harshly treated or wrongfully accused would later be reflected in Hitchcock&aposs films.


Alfred Hitchcock: from silent film director to inventor of modern horror

C ary Grant runs through a desolate cornfield, pursued by a crop duster overhead. Ingrid Bergman risks her life to go into a wine cellar, looking for a secret. Eva Marie Saint clambers over the faces of the American presidents at Mount Rushmore. Tippi Hedren is pecked at by mysteriously aggressive gulls. James Stewart watches helplessly from a window as Grace Kelly creeps into a murderer's apartment. Kim Novak drives through San Francisco in a trance-like state wearing a grey suit. Janet Leigh takes a shower at the Bates Motel and never comes out.

These movie images could only belong to one director: Alfred Hitchcock, who from the end of June until October is being celebrated in a definitive season at the British Film Institute in London. What is most striking is that all these scenes are wordless. The new BFI retrospective, The Genius of Hitchcock, is a chance to see how his phenomenal instinct for generating moving photographs that etch themselves on the brain and under the skin went back to his roots in the silent era. Alongside his better-known later work, from both Britain and Hollywood, the season features gala screenings of Hitchcock's nine silent features of the 1920s, which, thanks to valiant fundraising from the BFI, have been fully restored. The pleasures of silent Hitchcock cannot compare with those of the polished all-American studio pictures of the 1940s and 1950s. Nevertheless, it is startling to observe that his sensibility and knack for unsettling imagery were already formed. Prendre The Lodger: A Story of the London Fog (1927), about a landlady who suspects that her "queer" lodger is actually a homicidal maniac who targets blondes. With its mix of the domestic and the macabre, we are not too far from Des étrangers dans un train 24 years later. "Be careful – I'll get you yet!" the putative murderer smilingly warns the landlady's blonde daughter as they play a flirtatious game of chess. Hitchcock's final silent movie, Blackmail (1929), contains a murder with a hand thrashing out of a curtain, foreshadowing the shower scene in Psycho.

This retrospective is a reminder of how prodigious Hitchcock's body of work was. This greengrocer's son from Leytonstone in east London (born in August 1899) had the energy of Dickens and the facility of Picasso, able not merely to adapt his style to changing artistic values but to shape the entire culture of popular film. Dans Rear Window, he played with the idea that we are all voyeurs at the cinema. Avec Psycho, he invented modern horror. He was the master of the overhead shot (to signal menace, isolation or omniscience) and the MacGuffin (a plot device that motivates the characters without needing to make any objective sense). His influence is still everywhere. The character of Betty Draper in Des hommes fous – overgroomed blonde hair, mental fragility, love of horseriding and tailored dresses – is surely a copy of Tippi Hedren's kleptomaniac in Marnie. And would the final section of last year's Oscar-winning The Artist have felt anything like as powerful if it hadn't borrowed large chunks of soundtrack from vertige?

There's an endearing photo of the director from 1966, in his trademark black suit next to a tower of all his films. He stands on tiptoe to place the latest addition on the top: Torn Curtain. This was a rare disappointment, a cold war thriller starring Julie Andrews and Paul Newman. But taken as a whole, it is astonishing how many outright masterpieces he created, films you can watch repeatedly, sometimes noticing a new angle, sometimes just thrilling all over again to the same brilliantly framed moments of danger, humour or fear. My top 10 would be Célèbre, Vertigo, Rear Window, North by Northwest, The Birds, The Lady Vanishes, Rebecca, Strangers on a Train, The Thirty-Nine Steps et L'homme qui en savait trop (the second colour version, not the first, though that is memorable too for Peter Lorre's glowering villain). But 10 is nothing like enough. I haven't mentioned To Catch a Thief from 1955. Ostensibly, this is a piece of fluff about cat burglary set in the French Riviera, but it is crammed with moments that are resonant, suspenseful or just plain fun, such as a cigarette being extinguished in a fried egg, Grace Kelly wearing the most ridiculous – yet stunning – gold frock, and one of Hitchcock's most delicious cameos, on a bus, giving Cary Grant a look of plump consternation.

Hitchcock's personal favourite of his movies – a surprising choice – was the relatively unknown Shadow of a Doubt (1943) starring Joseph Cotten as a serial strangler who comes to stay with his adoring older sister and her family in Santa Rosa, California. Bit by bit, the strangler's niece Charlie – who has always doted on her uncle – starts to suspect him. One of many visual cues is the moment when we see Cotten strangling a piece of toast at breakfast. As the tension builds to its climax, the film manifests what the critic Arthur Vesselo called Hitchcock's mastery of contrast, "balancing the normal against the abnormal, slowness against speed, sound against silence, humour against terror".

The cliché about Hitchcock is that the quality of the work was achieved through obsessive control freakery, but consider this: he never gave himself sole writing credit on any of his films. He was happy to work with a range of writers, including John Steinbeck (who wrote Lifeboat, a strange 1944 disaster movie featuring Tallulah Bankhead and a motley assortment of survivors, who end up being saved by the Nazi officer who torpedoed their ship), Thornton Wilder and John Michael Hayes, who wrote four scripts for Hitchcock, including the wonderfully witty Rear Window. Compare and contrast with Orson Welles, whose Citizen Kane was directed by Orson Welles, was produced by Orson Welles, starred Orson Welles and was written by Orson Welles (albeit with the assistance of Herman J Mankiewicz). Having spent two formative years designing title-cards for a movie production company, Hitchcock always understood that film was a collaborative business. vertige is as much a showcase for Edith Head's costume designs and Bernard Herrmann's music as it is for Hitchcock's images.

His first and fondest collaborator was his wife Alma Reville, an editor and scriptwriter whom he met in 1921 when working for Famous Players-Lasky in London, on the set of a silent picture called The Prude's Fall. He delayed marrying her for five years, until he had three films under his belt, because – he later hinted – he needed this status to be sure of securing her. Alma's remained the one opinion he minded about most because – their daughter Pat said – "she was the one person who he relied on to tell him the truth". After watching the initial cut of vertige, Alma said it was terrific but he must ditch a shot of Kim Novak running across a square where her legs looked fat. "Well, I'm sorry you hate the film, Alma," Hitchcock responded. Sure enough, he cut the offending shot out, even though it caused continuity problems, because without the running, Novak seems to leap from one side of the square to the other. But to please Alma, he changed it. In 1979, when accepting a lifetime achievement award from the American Film Institute, he begged permission to thank four people who had given him the most "constant collaboration". One was a film editor, the second a scriptwriter, the third the best cook he knew and the fourth the mother of his daughter, "and their names are Alma Reville".

The other enduring cliché about Hitchcock was that he was sadistic and controlling to his leading ladies. Donald Spoto's 1983 biography The Dark Side of Genius: The Life of Alfred Hitchcock depicted him as a creep with a mother fixation – a wannabe Norman Bates – whose films were autobiographical projections of his own sick erotic fantasies. For Spoto, he was a "macabre" artist whose unquenchable desire for perfect blondes led him to torture them both on screen and off. It is admittedly true that late in his career something went wrong in his relationship with Tippi Hedren, with whom he became fixated. She was a fashion model when he "discovered" her for The Birds, and he took it upon himself to mould her acting. "I controlled every movement on her face," he told a journalist. The relationship soured on the set of Marnie. Hitch made some kind of indecent proposal to her, as well as chiding her once too often. She then did "what no one is permitted to do. She referred to my weight."

With most of his actors, however, male or female, Hitchcock was remarkably hands-off. "One doesn't direct Cary Grant," he liked to say, "one just puts him in front of a camera." When it came to Grant's clothes, Hitchcock told him to "dress like Cary Grant". This did the trick. The pleasure of watching Cary Grant in a suit – he has a certain debonair way of putting a hand in one trouser pocket – is never greater than in his Hitchcock performances. The director had much the same confidence in James Stewart, mostly leaving him to do his own thing and well he might, given that Stewart's presence in a Hitchcock film meant an extra million dollars at the box office compared with Grant (or so he told the actor James Mason). Hitchcock also gave free rein to Doris Day, Stewart's co-star in the 1956 remake of L'homme qui en savait trop, even though the role was a significant departure from her usual musical comedy. Day played Stewart's wife, a famous singer who is driven to hysteria when her only child is kidnapped on a trip to Morocco. After the location shoot was finished, Day was left feeling puzzled because "not once, in any situation, did A Hitchcock say a word to me that would have indicated that he was a director". When she eventually asked what was wrong, he replied: "But dear Doris, you've done nothing to elicit comment from me." Sure enough, her undirected performance is one of the best in any Hitchcock film, entirely convincing in its depiction of a controlled woman unravelling in grief.

If he did not allow the same latitude to Joan Fontaine in Rébecca (whom he needled into by far the best performance of her career as the nameless heroine) or Kim Novak in vertige, it was not because he was a sadist to women, but because it was what the part required. Pour vertige, the script stipulated that the lead character of Madeleine wore a grey suit indeed it is integral to the plot. So it wasn't exactly helpful when Novak said she'd prefer to wear any colour "except grey". In forcing Novak to wear the grey suit – just as Scottie forces poor Judy to wear it – Hitchcock was only putting the work first.

Colour was not a trivial detail to Hitchcock: the shading of light and dark on a screen was the larger part of cinema. The critic David Thomson argues that an appreciation of vertige is a "test case" for whether you are "a creature of cinema" if you find it implausible – "well, there are always novels". Hitchcock's movies always kept the strong visual sense of his earliest silent pictures. Patrick McGilligan, author of the finest Hitchcock biography (A Life in Darkness and Light, 2003) notes that the most "celebrated sequences" in his films "might as well be silent".

That is certainly true of the famous kiss in Célèbre between Ingrid Bergman and Cary Grant. Bergman is Alicia, who agrees to go under cover in Rio de Janeiro, worming her way into the affections of a Nazi Claude Rains on behalf of intelligence officer Devlin (Grant). With its dream cast, it is the most romantic and – for my money – the most perfect Hitchcock film. The scenes in which Alicia is slowly poisoned by the Nazis are as tense as anything he ever did. The kiss between Alicia and Devlin – who spend most of the film proudly denying their love – was cooked up to circumvent the production code's ban on kisses longer than three seconds. Hitchcock asked Grant and Bergman to kiss for a couple of seconds, then disengage and nuzzle each other, then resume, as they talk in low voices about dinner plans. The embrace lasted a total of two and a half minutes, and Bergman said it made her and Grant feel "very awkward". But when you watch it now, the details behind its production fade away. It is so beautiful, you could just sink into it.

If Hitchcock's desires were creepy, it is a creepiness shared by millions of us. Hitchcock once remarked that the Célèbre kiss gave the public "the great privilege of embracing Cary Grant and Ingrid Bergman together". As usual, he was right. And though the stars were better and the budgets were bigger, the thrills such a kiss offered were not so very different from the dramatic pictures he and Alma dreamed up in their old silent days.

This article was amended on 16 June 2012. It originally stated that Torn Curtain starred Julie Christie and Paul Newman. The female star was Julie Andrews. This has been corrected.


Voir la vidéo: Alfred Hitchcock Talks About His Relationship With Actors. The Dick Cavett Show


Commentaires:

  1. Apenimon

    De rien de semblable.

  2. Katelinn

    Sa phrase incroyable ... :)

  3. Warian

    Merci, il est parti lire.

  4. Balkree

    La réponse sûre ;)

  5. Arlo

    Congratulations, I think this is a brilliant idea.



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